Carlos Alberto "Indio" Solari (1949–2026) fue un legendario músico y compositor argentino, considerado un ícono fundamental de la cultura popular y el rock nacional. Fue la voz líder y principal letrista de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, y posteriormente lideró su proyecto solista El Mister y Los Marsupiales Extintos junto a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado

• Los Redonditos de Ricota (1976–2001): Junto al guitarrista Skay Beilinson, fundó una de las bandas más influyentes de Hispanoamérica. Se convirtieron en un fenómeno de culto masivo e independiente, famosos por sus letras poéticas y sus conciertos convertidos en verdaderas "misas". 
• Etapa Solista: Tras la disolución de la banda, formó su propia agrupación y siguió llenando estadios multitudinarios hasta su retiro de los escenarios en 2017.
• Reconocimiento: Su enorme impacto fue celebrado a lo largo de los años, incluyendo el prestigioso Premio Konex de Platino al Mejor Cantante de Rock de la década (2015) y el Doctorado Honoris Causa otorgado por la UBA. 
• Fallecimiento: El 5 de junio de 2026, a sus 77 años y tras una larga lucha contra la enfermedad de Parkinson, falleció en su casa de Parque Leloir, dejando un vacío irremplazable en el arte argentino

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Luciano Pereyra conmovió a la audiencia de La Peña de Morfi al encabezar un emotivo homenaje dedicado a la memoria de Horacio Guarany, en el programa emitido por Telefe. El cantante de Luján asumió el rol de relator en un informe que repasó la vida, la obra y el legado incalculable del recordado referente folklórico.

El tributo coincidió con una fecha de alta carga nostálgica para la música popular, dado que el pasado 15 de mayo el maestro de los maestros hubiera celebrado sus 101 años de vida. Durante la narración del material audiovisual, Pereyra no escatimó en elogios para calificar la personalidad del homenajeado sobre el escenario y fuera de él.

"Explosivo y apasionado", lo definió Luciano con notable emoción, sintetizando en esas palabras la esencia de un artista que marcó a fuego la historia cultural del país. El relato recorrió los hitos más importantes de la carrera de Guarany, rescatando la fuerza de su interpretación que siempre lo unió de manera incondicional con su público.

La historia de la música es tan antigua como la propia humanidad. Mucho antes de la aparición de la escritura, los seres humanos ya utilizaban sonidos, ritmos y cantos para comunicarse, celebrar rituales, expresar emociones y acompañar distintas actividades de la vida cotidiana.

Los primeros indicios musicales se remontan a la prehistoria, cuando el hombre comenzó a descubrir sonidos golpeando piedras, troncos o utilizando huesos y cañas como instrumentos rudimentarios. Estas primeras expresiones musicales estaban relacionadas con ceremonias religiosas, danzas tribales, celebraciones y pedidos a los dioses para obtener buenas cosechas o protección.

Con el avance de las civilizaciones antiguas, la música comenzó a adquirir un rol más importante dentro de la sociedad. En el antiguo Egipto, Grecia y Roma, la música era utilizada en ceremonias religiosas, teatros y festividades. Los griegos consideraban que la música tenía influencia directa sobre las emociones y el comportamiento humano, desarrollando teorías musicales que todavía son estudiadas en la actualidad.

Durante la Edad Media, la música tomó un fuerte carácter religioso en Europa. Surgieron los cantos gregorianos dentro de las iglesias, mientras que los trovadores y juglares recorrían pueblos llevando historias y canciones populares. En esta etapa comenzaron a desarrollarse sistemas de escritura musical que permitieron conservar composiciones a lo largo del tiempo.

El Renacimiento marcó una etapa de gran crecimiento artístico. La música se volvió más compleja y armónica, incorporando múltiples voces e instrumentos. Más adelante, durante el período barroco, aparecieron grandes compositores como Johann Sebastian Bach y Antonio Vivaldi, quienes revolucionaron la composición musical con obras que continúan siendo referencia mundial.

En los siglos XVIII y XIX, la música clásica alcanzó un enorme desarrollo con figuras como Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Frédéric Chopin. La música comenzó a presentarse en grandes teatros y salas de conciertos, convirtiéndose también en una forma de entretenimiento para el público.

Con la llegada del siglo XX, la evolución tecnológica transformó completamente la industria musical. Aparecieron nuevos géneros como el jazz, blues, rock, pop, reggae, electrónica y hip hop, permitiendo una enorme diversidad cultural y artística. La radio, el vinilo, el cassette, el CD y posteriormente internet facilitaron que la música pudiera llegar a millones de personas en todo el mundo.

Actualmente, la música forma parte esencial de la vida cotidiana. Gracias a las plataformas digitales y al streaming, artistas independientes pueden compartir sus canciones globalmente sin necesidad de grandes compañías discográficas. Además, la inteligencia artificial y las nuevas tecnologías están comenzando a influir en la creación musical, abriendo un nuevo capítulo en la historia de este arte universal.

https://www.youtube.com/watch?v=pHaR2lDLKb0

La música no solo entretiene: también une culturas, transmite emociones y refleja la evolución de la sociedad a través del tiempo. Desde un tambor prehistórico hasta una canción reproducida en streaming, la música continúa siendo uno de los lenguajes más poderosos de la humanidad

Su impacto sigue vigente gracias a la extensión de sus presentaciones y su constante presencia en las búsquedas globales de Spotify y plataformas digitales. En el plano de las giras, se espera que este año sea uno de los más activos para la industria, compartiendo cartelera global con artistas como Ariana Grande y Harry Styles.

• En Spotify y Apple Music: Sigue rompiendo récords de reproducciones simultáneas gracias a su capacidad para movilizar a su "fandom" (los Swifties) mediante pistas ocultas (easter eggs) en sus redes sociales.
• Contenido exclusivo: Su estrategia de lanzar versiones "Deluxe" o "Taylor’s Versions" mantiene su catálogo antiguo en constante rotación, compitiendo contra sus propios lanzamientos nuevos en las listas de Billboard.

Se destacó en el ciclo De fulanas y menganas, por el que ganó el Martín Fierro a la Revelación, fue la villana de Amor sagrado e hizo decenas de ficciones. En cine se consagró con Últimas imágenes del naufragio, de Eliseo Subiela, y brilló en muchas obras de teatro. Aunque nunca dejó de actuar, Noemi Frenkel está muy dedicada a la escritura y Bosque migrante, una judía se desarma, de la Editorial Milena Caserola, es su último libro.

LA NACION conversó con la actriz sobre los personajes que le dejaron huella, el libro con detalles autobiográficos que publicó hace unos meses y que la llevaron a reflexionar sobre el pueblo judío y su gran viaje transformador en busca de sus raíces.

-Algunos creen fue fuiste una actriz fetiche para Eliseo Subiela. ¿Qué pensás?

-No lo sé. Hice el doblaje del personaje que era La Santa en Hombre mirando al sudeste y viéndonos a Lorenzo Quinteros y a mí, al director se le ocurrió hacer una historia de una pareja de, aparentemente, dos fracasados. Y fue Últimas imágenes en naufragio. Fue una hermosa experiencia trabajar con él. Y creo que en los últimos años están revalorizando su trabajo. En un momento, su cine quedó un poco fuera de tendencia y hubo una cierta injusticia de desvalorizar lo que había traído… A lo mejor eran los movimientos de renovación artística que tienen que venir a descabezar lo anterior.

-A partir de ese momento tenés una larga carrera como actriz, y también como productora, directora, escritora…

-Sí, en los últimos años me volqué muchísimo a la literatura, algo que siempre amé. En un momento se produjo un giro, mientras estaba escribiendo un monólogo para hacer en teatro. Ya había concebido otros espectáculos, pero esa vez fue de cero. La obra se llamó Casandra Iluminada, y ahí me encontré con una dimensión de goce total porque la escribí, la protagonicé, la gestioné y codirigí. Al poco tiempo se abrió la carrera de Licenciatura en Artes de la Escritura en la Universidad Nacional de las Artes y me anoté. A partir de ahí fue todo un gran entrenamiento, una inmersión, un aprendizaje en la nutrición de todo eso que tenía desde siempre. De chica, mi primera fantasía fue ser escritora y estudié periodismo y Letras, aunque no las terminé porque me volqué al teatro y encontré en la actuación un espacio maravilloso.

-Hasta que el teatro volvió a llevarte a la escritura...

-Casandra iluminada también se publicó en el CELCIT (Centro de Estudios Latinoamericanos de Teatro) y por eso se lee en toda Latinoamérica y muchas veces me han pedido la obra para hacer en otros sitios, y hay ponencias académicas porque trabajé con un personaje de la tragedia griega. Después publiqué un poemario que se llama Trazos de la serpiente y una novela de ficción que se llama Cuervo. Hace pocos meses salió mi último libro, Bosque Migrante, una judía se desarma, por editorial Milena Cacerola, y no es una novela de ficción.

-¿Es una autobiografía?

-Tiene referencias a mi vida y una crónica de un viaje que hice a Polonia en 2022, buscando mis raíces. Todos mis abuelos y mis tíos vinieron de Polonia antes de la Primera Guerra Mundial así que se salvaron, y mis padres nacieron acá porque eran los hermanos más chicos de sus familias. Nunca se hablaba de los que habían quedado. Por ejemplo, yo no sabía que mi abuelo paterno tenía hermanos que habían quedado en Polonia. En mi familia todo eso era un tabú, de eso no se hablaba. Investigando me encontré con mucha información. Fue casi una tarea detectivesca, e hice el viaje para sentir en mi cuerpo qué era Polonia y cómo me vinculaba con mi pasado. Fue muy emocionante. Entendí que habían quedado familiares ahí, y aunque yo no supiera quiénes eran, los habían asesinado. Fue un viaje transformador que también movilizó cosas de memoria y de identidad, porque si bien fui criada en una familia judía tradicional, siempre tuve una rebeldía al mandato familiar y no había abrazado la cosa de la colectividad judía. Entonces, siempre había sido un tema de conflicto familiar.

-¿Y a partir de ahí qué cambió?

-Cambió que comprendí mucho más el trauma familiar. Y sentí mucho amor, mucho reconocimiento, mucha compasión, mucha comprensión de qué era eso que ellos traían, y toda su rigidez. Por más que supiera sobre el Holocausto, lo sentí en mi propia sangre. Cuando volví seguí escribiendo este proyecto de novela. Después sucedió lo del 7 de octubre de 2023 (el atentado de Hamas a Israel) y me generó también una gran conmoción por mi educación en cuanto a cierta fidelidad a la idea del Estado de Israel y lo que representaba para la comunidad judía. Empecé a investigar, no solamente mi pueblo sino también el pueblo palestino.

-¿Y hoy cuál es tu mirada?

-Entendí que el proyecto sionista implicó un proyecto de limpieza étnica del pueblo que vivía ahí como originario, pero son los palestinos quienes fueron desplazados de sus hogares. Expulsados, y muchos masacrados. Yo no era consciente de todo eso y tomé contacto con la gran injusticia y la lógica enemistad. Es algo a lo que me opongo firmemente y que me interpela como judía porque dicen que lo están haciendo en mi nombre, para defenderme. Y yo digo que en mi nombre eso no lo hago.

El periodismo, las letras y Alfredo Alcón

-¿Cómo tomaste la decisión de ser actriz?

-Estudié periodismo durante dos años en el Instituto Grafotécnico y en un momento decidí pasarme a Letras. Paralelamente estudiaba teatro, y a través de la actuación sentí un camino de libertad que no tenía en otro lado; fue una liberación.

-¿Es verdad que Alfredo Alcón tuvo algo que ver?

-Ya estudiaba en el Conservatorio cuando hice Strogonoff, en El Vitral. Iba poca gente, pero un día fue Alcón porque se corrió la bolilla de que la obra era muy buena y había una pendeja que llamaba mucho la atención. Era yo (risas). Rodolfo Morttola estaba preparando una película, El dueño del sol, y Alfredo le dijo que me fuera a ver y después me convocó. Con Alfredo tuve un vínculo hermoso.

-Ahora estás protagonizando Matria, ¿de qué se trata?

-Terminamos hace unos días y volvemos en agosto a El excéntrico de la 18º. Es una obra hermosa que hacemos con María Espinosa, Elvira Onetto e Isabel Quinteros, y explora la experiencia de cuatro mujeres argentinas, cuyas vidas quedaron marcadas por un mismo hecho común: sus hijos fueron enviados a la guerra de Malvinas. Ellas no se conocen, pero están unidas por la espera, el desgarro y la fuerza silenciosa con la que atravesaron aquel otoño de 1982. Evidentemente, me sigue atravesando la cuestión de las guerras. Estoy en contra de la idea de la guerra que enfrenta a un pueblo con otro porque, en realidad, los que se benefician son los fabricantes de armas, los fabricantes de drones, los fabricantes de inteligencia artificial y las autarquías que dominan el mundo y que infunden odios y miedo.

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-¿Siempre pudiste ganarte la vida con el arte?

-En general sí, aunque también trabajé unos años en la empresa familiar que era una distribuidora de planchas acrílicas. La fundó mi papá y se vendió cuando murió. El trabajo del actor es muy irregular y tengo una hija que ya es grande, pero en ese momento tenía que mantenerla. También he dado clases de teatro muchas veces, y me encanta. Ahora estoy dando clases de artes escénicas en la Universidad de La Matanza. Y descubrí la escritura… Tengo una zona muy intelectual.

-Y contrasta con algunos de tus trabajos. Fuiste parte de Jugate conmigo, por ejemplo...

-Fue en un momento de un giro en mi vida. Ya tenía una hija y me había ido a vivir al campo, en las afueras de Moreno. Me llamaron para trabajar con Cris Morena para una ficción que había dentro de ese programa, Life College. Había hecho solamente unitarios y teatro oficial, todo muy prestigioso, y mi representante me dijo: “Vas a decir que no, ¿no?”. ¿Por qué no? Me pagaban, y en el contexto en que vivía, veía a mis vecinos levantarse tempranísimo, tomar un colectivo y el tren para ir a trabajar. ¿Cómo iba a escupir al cielo yo? Y acepté y lo disfruté.

-Echaste por tierra todos los prejuicios y aceptaste…

-Sí. En ese momento había una marcada diferencia entre quienes hacían teatro oficial y televisión. Y si yo iba a un casting había productores que no me conocían a pesar de que había ganado premios internacionales. Lo que nunca acepté es meterme en un proyecto que yo sintiera que bastardeaba los criterios profesionales. Pero soy una trabajadora.

-Hiciste muchísimas ficciones, ¿hay alguna que hayas disfrutado más por alguna razón?

-De fulanas y menganas, con Olga Zubarry y Martha Bianchi, fue una escuela para mí. Fueron tres años a puro aprendizaje y gané un Martín Fierro. Eran personajes y libros maravillosos. El primer unitario con temática sobre las mujeres. Fue un ciclo precursor, a finales de los ’80. Y recuerdo también un personaje que gocé mucho en la novela Amor sagrado, con Grecia Colmenares. Era una coproducción con Italia, una historia de época en la que fui una villana, contrafigura de la protagonista. Eran escenas increíbles, con libros de Ana María Montes y María José Campoamor, y después me enteré que había colaboración de forma anónima de Ricardo Monti. Yo tenía unos monólogos hermosos y todavía recibo mensajes de Italia, porque cada tanto la siguen dando.

-¿Algún otro?

-Otro personaje de telenovela increíble fue el que hice en Herederos de una venganza. Yo hacía un personaje que era una alemana asesina serial, mano derecha del personaje de Rodolfo Ranni. Era formidable jugar con eso. Tuve muchas satisfacciones en todos estos años, y con la televisión conocí la popularidad. Otra experiencia muy plena fue cuando produje Los padres terribles de Jean Cocteau y fui productora de teatro comercial además de hacer un personaje. Fue un golazo en el que puse en juego muchas cosas y corríamos un riesgo artístico. Me gusta que el teatro le mueva el piso a la gente y que no salga igual que como entró.

-Sos perfil muy bajo, ¿tenés familia?

-Mi hija Luz, que ya tiene 34 años y es música, cantante, pianista, compositora, docente. Me siento muy orgullosa. Su papá es músico, pero nos separamos hace muchos años, cuando ella era chica. Nunca fui mediática, pero aproveché la popularidad y participé en Actrices Argentinas. Por ser conocidas pudimos contribuir a las campañas por el aborto legal, por ejemplo. Comprometerme con el activismo feminista desde el lugar de actriz también fue muy interesante y ahí sí puse la cara.

Agradecimientos: @nadinapasteleria

La pasión se renueva. Cada cuatro años. A pesar (o raíz) de los cambios. De que el negocio le gane al deporte. Aparecen nuevos fanáticos. Hasta algunos a los que no les interesa el fútbol. Aunque el Mundial 2026 tenga 48 equipos y 104 partidos. Demasiados entre selecciones de países sin tradición, calidad, ni cercanía. Pero parece ya no haber partidos irrelevantes. Sobre todo, entre adolescentes. Capaces de adoptar nacionalidades de las que casi nada sabían hasta que empezó a rodar la pelota. Capaces de alegrarse o amargarse con resultados de la frase de grupos como si fuera un partido decisivo para la albiceleste.

No es la globalización ni la hiperinformación la fuente de estos fanatismos sucesivos y, aparentemente, inexplicables. No es pasión inocente. Ni simpatías ocasionales por los más débiles o los adversarios de nuestros rivales históricos. El grito de gol o el insulto al aire se deben a otra cosa. Cada vez más frecuente. Y preocupante. Son las omnipresentes apuestas. Legales, clandestinas y hasta con fines nobles. Causa de alegrías efímeras, frustraciones duraderas y hasta deudas impagables. Mientras tanto, casi toda la dirigencia política y deportiva las promueve, aunque contaminen todo. Como un vicio destructivo. Hasta el final. Del juego. Y algo más.

La historia de amor de Mel Brooks y Anne Bancroft es una de las más románticas de Hollywood. Se conocieron en un estudio de televisión y nadie creía que ese romance entre dos personalidades aparentemente tan opuestas pudiera prosperar. Pero se amaron profundamente durante más de cuatro décadas, tuvieron un hijo y estuvieron juntos hasta la muerte de ella, ocurrida en 2005.

Cuando se cruzaron por primera vez, él daba sus primeros pasos en Hollywood y ella ya era una estrella del cine y de Broadway. Se conocieron durante los ensayos del espectáculo de variedades Perry Como’s Kraft Music Hall. Brooks, cautivado por la belleza de la actriz, le pagó a un asistente para que averiguara a qué restaurante iría esa noche; buscaba un aparente encuentro casual. Lo logró, pero el asunto no pasó más allá de un cordial saludo.

Sin embargo, Mel insistió. Por esos días ambos estaban grabando participaciones en diferentes programas y cuando él la vio pasar no dudó en gritarle “¡Anne Bancroft, te amo!”, de un estudio de televisión a otro, lleno de personas que, curiosas, se dieron vuelta para mirar quién gritaba. Y Anne también. Se frenó, buscó con la mirada y preguntó quién había dicho eso. “¡Mel Brooks!”, respondió él. Y Anne soltó la primera carcajada de las muchas que compartieron. Sucedió en 1961, en Nueva York.

Un restaurante chino y un billete bajo la mesa

La primera cita fue en un restaurante chino bastante modesto, de los pocos que él podía pagar. Dice la leyenda que a mitad de la cena, Mel le confesó que estaba quebrado. A la hora de pagar la cuenta, Anne le pasó un billete por debajo de la mesa y él pagó, con naturalidad. Quienes los conocieron en ese momento aseguran que ese gesto los conectó para siempre. Alguna vez la actriz confesó que la mayoría de los hombres se sentían intimidados frente a ella. En cambio, Brooks no dudó en seducirla y encima confesarle que no tenía nada de dinero. Ese descaro le jugó a favor y desde entonces nunca más se separaron. En varias entrevistas ella confesó que se enamoró de él al instante porque nadie la había hecho reír así en toda su vida.

Bancroft venía de un divorcio y de interpretar papeles muy serios en Broadway y en cine. Brooks también estaba divorciado y su fuerte era la comedia. Todos pensaban que ese amor no iba a durar mucho tiempo porque venían de mundos distintos, pero ellos siguieron adelante. Se casaron el 5 de agosto de 1964 en la Oficina de Matrimonios de Manhattan, en una ceremonia íntima y lejos de los lujos y el glamour de Hollywood. En 1972 nació su único hijo, Max.

En casa y en el trabajo

Fueron una de las parejas más queridas de Hollywood y trabajaron juntos en varias oportunidades. En 1976 Brooks filmó la comedia muda La última locura de Mel Brooks, donde ella hace una participación junto a otras grandes figuras como Liza Minnelli y Paul Newman.

En 1980, él fue productor ejecutivo del film de David Lynch El hombre elefante, en el que Bancroft tuvo un papel. Brooks solicitó no aparecer en los créditos del celebrado film -que tuvo ocho nominaciones al Oscar- porque temía que el público no lo tomara en serio por su fama de comediante. Entonces, se le ocurrió fundar la productora Brooksfilms para lanzar el proyecto de forma anónima.

En 1983 compartieron el set en Soy o no soy, y en 1995 repitieron en Drácula muerto pero feliz, donde Brooks interpreta al profesor Van Helsing y Bancroft aparece en un papel secundario. En televisión grabaron un episodio de Curb Your Enthusiasm en 2004, uno de los últimos trabajos que hizo ella antes de fallecer.

En teatro no trabajaron juntos, aunque colaboraron indirectamente en varios proyectos ya que Bancroft alentó a Brooks a convertir en películas famosos musicales de Broadway como Los productores y El joven Frankenstein. Dicen que él dudaba en llevar Los productores al cine hasta que su esposa leyó el borrador del guion, se rio a carcajadas y le dijo que tenía que filmarlo; fue la primera película que dirigió Brooks y le dio un premio Oscar en 1967.

Fueron inseparables y asistían juntos a todos los eventos y entregas de premios, aunque pocas veces hablaban de su vida privada. Sin embargo, en una ocasión le preguntaron a la actriz cómo se sostenía un matrimonio luego de tantos años y ella respondió: “Todavía me emociono cuando oigo su llave en la puerta de casa y pienso ¡por fin va a empezar la fiesta!”.

A principios de 2005, a Anne Bancroft le diagnosticaron un cáncer de útero muy agresivo. Brooks no se separó de su cama ni un solo día hasta que ella murió, el 6 de junio de ese año en el Hospital Mount Sinai, a los 73 años.

El comediante quedó devastado, y durante algunos años se recluyó en la intimidad de su casa. Le tomó una década volver a trabajar hasta que un día dijo que no podía “entregarse” a la tristeza para siempre: “Hay que rascar el fondo de uno mismo para seguir caminando”.

Hoy, con casi 100 años, Mel Brooks recuerda a Anne Bancroft con el mismo amor de ese primer día en el que se propuso conquistarla y gritó su nombre.

En el marco del podcast La máquina de hacer canciones, Mariano Di Cesare, el mentor de la agrupación Mi Amigo Invencible, diseccionó el proceso de creación de su reciente sencillo, Lejos de todo. La canción, que nació a partir de una intuición melódica sobre un piano, se consolidó como un punto de inflexión en la trayectoria del grupo, marcando una apertura hacia sonoridades más sintéticas y populares. Sobre este cambio de piel, Di Cesare confesó: “El proceso del disco era una transformación experimental al pop de la banda; era como un cambio de piel muy fuerte”.

Consultado por la temática central de la letra, el músico reveló que gran parte de su narrativa fue impulsada por la lectura de las entrevistas al director de cine John Cassavetes. Según explicó, la obra refleja una búsqueda de naturalidad y desencuentros. “Trato de armar una situación y no hablar de algo, sino construir un espacio en el cual puedan suceder cosas”, afirmó el compositor. La letra aborda, además, la ansiedad cotidiana frente a la exposición y el consumo de alcohol, temas que Di Cesare arrastra desde hace décadas y que utiliza como vía de canalización creativa. “Ya bebí de más, hablé de más esta noche, es algo con lo que lidio constantemente”, admitió durante el encuentro.

El abordaje técnico de la grabación contó con la producción de Mariano Otero, cuya intervención resultó clave para alcanzar el objetivo de simplificación sonora que perseguía la banda. El líder del grupo relató cómo fue el trabajo en el estudio para lograr que el tema no se perdiera en complejidades innecesarias. “Mariano Otero quería que la melodía principal sea solo la voz”, destacó, valorando la capacidad del productor para limpiar los arreglos. Durante la charla, no faltaron las anécdotas, como el curioso origen del título original del tema, apodado inicialmente como Chico Loro, y los guiños musicales a The Beatles que se colaron involuntariamente en la coda final.

Sobre la disciplina necesaria para crear, Di Cesare desmitificó el concepto del rayo inspirador repentino, sosteniendo que la composición es una habilidad que requiere ejercicio constante. “La disciplina es lo que te va a llegar; es un músculo que, mientras más ejercitas, mejor va a salir”, aseguró, diferenciando su método de aquellos que dependen de las fórmulas de moda. Finalmente, reflexionó sobre la importancia de mantenerse alejado de la saturación digital para proteger la propia voz artística. “En mi caso me intoxica, me hace pelota”, concluyó sobre el uso de redes sociales previo a una etapa de composición. El encuentro dejó en claro que, más allá de la estructura pop, la música de Mi Amigo Invencible sigue buscando una verdad propia, lejos de las modas pasajeras.

Estábamos divididos por la felicidad o, más bien, por la abundancia. Por eso nos dábamos el lujo de alimentar rivalidades absurdas, de esas que tanto le convienen a la industria discográfica.

“Y ya lo ve, y ya lo ve; es para el Indio que lo mira por tevé”, cantaba el público en los shows de Soda Stereo. “Luca no se murió, Luca no se murió; que se muera Cerati, la puta madre que lo parió”, respondían los seguidores de los Redonditos de Ricota, y de otros grupos de sonido rockero, en sus recitales.

La cartelera de un fin de semana cualquiera de mediados de los 80 era un escándalo. Teníamos para elegir entre los shows de Los Abuelos de la Nada, Sumo, Charly, el Flaco, Soda, Los Redondos, Pappo, Virus o Fito. Y además de los grandes nombres, había unas segundas líneas que no desentonaban en toda clase de subgéneros, desde el ska hasta el punk rock.

Cuando finalmente salió a la superficie ese movimiento subterráneo, guerra de Malvinas mediante, la fragmentación fue irreversible y las grietas musicales, insalvables. Paz, amor y naranjazos para todo aquel que no nos gustara.

Dentro de esa grieta mayor había muchas otras, como la que separaba a los que seguían a los Redondos de los que preferíamos a Sumo. Sonido más moderno, inspirado en la new wave británica; letras comprensibles y, por supuesto, el exótico Luca Prodan al frente, aunque debo reconocer que los Redondos eran mucho más originales. Realmente no se parecían a nadie y eso, en un país periférico, es un mérito.

Antes, en los 70, las aguas se partían de manera más simple. De un lado, la dictadura militar, sanguinaria y mojigata; del otro, el rock nacional, categoría muy amplia en la que los medios de la época metían de todo y que crecía fuera del mainstream. Resistencia más generacional que política, o al menos eso nos hacían creer. “Bronca sin fusiles y sin bombas, bronca con los dos dedos en V”, dirían Pedro y Pablo.

Algunos medios fogoneaban el antagonismo entre el Flaco y Charly, aunque era casi un juego. Quizás uno parecido al que el Indio solía jugar en dosis homeopáticas, como en Música para pastillas (“Rockeros bonitos, educaditos, con grandes gastos, educaditos”), en donde contraponía el espíritu rebelde del indie a la liviandad del pop.

Una vez que la democracia se sintió más o menos asegurada, el desafío a la moral y las buenas costumbres que pretendían practicar quienes ejercían el poder por la fuerza fue decayendo. En una parte del rock, mutó hacia un mayor grado de compromiso político, ya sin la ambigüedad obligada por la dictadura. El paso del tiempo también provocó otra obsolescencia, la de la brecha generacional. Padres e hijos empezaron a escuchar la misma música.

El rock nacional operó políticamente casi desde el principio, pero caída la lucha por la libertad, colectiva o personal, todo se hizo más visible.

Derivamos así en esta era extraña en la que se mide a los artistas por su posicionamiento político más que por su arte. Un insulto para la cultura universal del rock, que en sus orígenes recelaba del poder e invitaba a pensar por uno mismo. Otros tiempos.

En ese contexto llegó la muerte de Carlos Alberto Solari, para dividir al público de nuevo entre quienes lo veían como un semidiós y los que no querían escuchar su música por su militancia o por el discurso inconsistente con su fortuna personal, contradicción que el rock jamás resolvió en ninguna época ni lugar.

Se fue el Indio, marcando un antes y un después, como todos los personajes que hacen historia. El día anterior, la imagen tridimensional de Gustavo Cerati volvía a llenar un estadio “junto” a sus excompañeros gracias a la realidad virtual. Y volvió a hablarse de la legendaria rivalidad, como si aún viviéramos en la era dorada del rock nacional, una ilusión tan potente y agridulce como el fantasma del líder de Soda Stereo sobre el escenario del Movistar Arena.

Las efemérides del 17 de junio reúnen diferentes eventos y aniversarios que pasaron un día como hoy, miércoles en el que se conmemora el Paso a la Inmortalidad del General Martín Miguel de Güemes. En nuestro país, esta fecha es feriado, pero este año se trasladó al lunes 15.

Güemes fue un militar, político y prócer argentino que nació el 8 de febrero de 1785 en Salta. Es considerado un héroe por su involucramiento en la lucha por la independencia del país, por la cual dejó la vida.

Principalmente, se lo reconoce por su defensa de la frontera contra la invasión realista que venía del Alto Perú, la cual hizo con el Ejército del Norte, que estaba compuesto por tropas de gauchos. Esta táctica permitió que San Martín pudiera cruzar los Andes y asegurar la liberación de Argentina, Chile y Perú. Además, Güemes ocupó el cargo de gobernador de Salta por seis años.

En la noche del 7 de junio, Martín Miguel de Güemes sufrió un disparo en combate, mientras el coronel José María Valdés, también conocido como “Barbucho”, encabezaba una invasión a la ciudad de Salta. Güemes logró escaparse de allí, pero murió a los 36 años 10 días después del hecho.

Por ese motivo, se decidió recordar a este prócer en el aniversario de su fallecimiento cada 17 de junio. En 1999, el Congreso de la Nación Argentina, bajo la ley 25.172, declaró esta jornada como el Día Nacional de la Libertad Latinoamericana. De todos modos, recién en 2016 se estableció como un feriado nacional por la ley 27.258.

Efemérides del 17 de junio: ¿qué pasó un día como hoy?

• 1821 – Muere el General Martín Miguel de Güemes, militar y político destacado en la guerra de la Independencia de la Argentina.
• 1852 – La Argentina reconoce la independencia de Paraguay.
• 1885 – Llega la Estatua de la Libertad a Nueva York.
• 1928 – La aviadora estadounidense Amelia Earhart despega con su aeroplano de Terranova en un intento de atravesar el Atlántico, hazaña que consuma en el país de Gales.
• 1931 – Se inaugura la plaza de toros de Las Ventas en Madrid, también conocida como La Monumental.
• 1950 - La estadounidense Ruth Tucker se convierte en la primera persona en recibir un trasplante de órganos (en su caso, de riñón).
• 1960 – Nace el empresario italiano Alessandro Lequio, conocido como “El Conde Lequio”.
• 1962 – Brasil vence a Checoslovaquia por 3-1 y conquista la VII Copa del Mundo.
• 1972 – Estalla el escándalo Watergate.
• 1973 – Nace la cantante mexicana Paulina Rubio.

• 1976 - El escritor, periodista, poeta y militante político Francisco “Paco” Urondo es asesinado a la edad de 46 años por fuerzas represivas de la última dictadura cívico-militar en Guaymallén, Mendoza.
• 1980 – Nace la tenista estadounidense Venus Williams.
• 1991 – El Parlamento de Sudáfrica suprime el apartheid al derogar por mayoría la ley sobre clasificación racial de la población.
• 2009 – Muere el cineasta argentino Alejandro Doria, director de la película Esperando la carroza.

• 2009 – Muere el actor uruguayo y conductor Fernando Peña.
• 2009 – Muere Oscar Ferreiro, actor argentino.
• 2015 – Mueren nueve personas en la masacre de la Iglesia Metodista Episcopal Africana Emanuel. Son asesinadas en Charleston, Carolina del Sur.
• 2016 – Muere Rubén Aguirre, actor mexicano popular por su papel del Profesor Jirafales en El Chavo del 8.
• 2016 – Se sube el video “Baby Shark” a YouTube. Años después, lograría ser el de más reproducciones en la historia de la plataforma.
• Se celebra el Día Mundial de la Lucha contra la Desertificación y la Sequía.
• Se celebra el Día de la Libertad Latinoamericana en la Argentina.

“Prométeme un baile como Nijinsky”. En ese rock n’ roll tan clásico como irresistible que es “Rough and Twisted” (y que primero lanzaron como simple en vinilo y bajo el nombre de The Cockroaches), Mick Jagger muestra una pizca de su amor por la danza. Como en el juego de la búsqueda del tesoro, a lo largo del disco hay muchas pistas más, además de invitados como Paul McCartney, el líder de The Cure, Robert Smith y Steve Winwood, entre otros.

Curioso que en este 2026 los octogenarios pilares de la cultura rock, como el citado McCartney, Ringo Starr y los mismísimos Stones, entreguen nuevos y refrescantes discos. En este caso, aunque Keith Richards declare que tiene continuidad “con Hackney Diamonds" (“Fue genial volver a trabajar en Londres y sentir esa atmósfera a nuestro alrededor”), podemos disentir con él. Foreign Tongues es superior a su antecesor de 2023, incluso superior a los antecesores de las últimas dos décadas.

Un clima de zapada sobrevuela todo el disco. Algo urgente, inmediato, que no puede esperar. Aunque habrá que tener paciencia, porque más allá de los primeros dos cortes, que son los dos primeros temas del álbum, “Rough...” y “In the Stars”, los otros 12 verán la luz el 10 de julio, cuando el disco se lance en todas las plataformas digitales y se empiece a vender en formatos físicos.

“Jealous Lover”, la tercera canción, remite a “Miss You”, a los días en que sus Majestades Satánicas intentaban rejuvenecer con la música de moda, la música disco. Pero aquella osadía hoy también tiene carácter de atemporal. Ese viaje a los tardíos 70 viene con falsete de Mick incluido (¿un poco de magia? Puede ser). Enseguida estalla el estribillo, las voces se multiplican y ese aire a conocido, a familiar es lo que nos reconforta.

Poderoso, candente, lo que sigue es un típico rhythm and blues Stone. La guitarra de Richards domina la escena, la de Ronnie Wood acompaña y la voz de Mick Jagger se mueve con soltura como un jugador de toda la cancha. Infaltable, una voz femenina se suma a la escena y nos recuerda aquellos días en los que Mick y Tina Turner jugaban a hacerse el amor con los ojos mientras cantaban a dúo.

Rápido, incluso cerca del rap, el frontman se agita, pone quinta y acompaña el trepidante ritmo de una banda a punto de erosionar. Hasta aquí cuatro canciones brillantes, sin lugar a duda entre lo mejor que cosecharon los Stones en las últimas décadas.

“Divine Intervention” marca la continuidad. Hay una pista en su título. ¿Sus Majestades Satánicas viajan al paraíso? Nada de eso. Salen de paseo por las calles de Nueva York. inquietos, ruidosos, como imitando la atmósfera de la Gran Manzana. Recién en el sexto track, “Ringing Hollow”, baja la velocidad, aparece una típica balada Stone, con gusto a country, algo laxa.

Si de buscar links se trata, “Never Wanna Lose You”, el octavo tema, puede funcionar como cara B del mencionado ”Jelaous Lover". Tiene esa atmósfera pop y disco de los días de Studio 54, de cuerpos aferrados a otros cuerpos, de fiesta interminable, de qué importa lo que pase mañana si nos tenemos esta noche. Los Stones tienen “licencia para matar”, no James Bond. Ni necesitan pedir permiso. Por eso no tienen miedo de cambiar drásticamente de clima, de viajar al Mississippi para meterse en el fango del blues (y en sus aguas turbias, sus “muddy water”, parafraseando la canción que abre el disco que, a su vez, juega con el nombre artístico de su admirado Muddy Waters) y el rhythym and blues, para luego tomar un avión y dirigirse a la gran urbe a bailar... como Nijinsky.

Potente, como un tren que impacta contra nuestra humanidad, “Hit Me in the Head” funciona como un shot de adrenalina. El productor Andrew Watt, que ya había trabajado con los Stones en Hackney Diamonds, logra hablar de tu a tu con ellos, de exprimir sus mejores versiones.

Para aquellos que ni siquiera hayan reparado en la ya difundida lista con el nombre de las 14 canciones, sorprende “You Know I’m No Good”, el clásico de Amy Winehouse. Claro que luego de escucharla lo que más sorprende es la sentida interpretación, un homenaje con el sello de los Rolling Stones a una de las más grandes artistas que dio Gran Bretaña en las últimas décadas.

En “Some of Us” llega el momento de Keith. Otra típica balada Stone que en vivo funciona para bajar decibeles y que aquí cumple con el mismo objetivo. El mood se mantiene en “Covered in You”, aunque aquí vuelve a la voz Mick.

De lo que resta se destaca “Back in Your Life”. Un solo final de Ronnie Wood y un clima melancólico que lo hermana con la obra más reciente de McCartney, The Boys of Dungeon Lane. Tiene algo de fin de película, de canción que se dispara con los títulos. Y si eso es lo que produce el tema 13, el último es algo así como un outtake, un bonus que conecta a los Stones con su raíz, que no es otra que la raíz misma del maldito rock’n roll que, como el poema tanguero de Enrique Maroni, podría rezar: “Me hiciste mal y sin embargo te quiero”. Se trata de un clásico de Chuck Berry, el blues “Beautiful Delilah”, para que allí donde esté Brian Jones esboce una sonrisa.

La Verificación Técnica Vehicular (VTV) continúa siendo un trámite obligatorio para los vehículos particulares que, en la Ciudad de Buenos Aires, hayan cumplido cuatro años de antigüedad o que hayan alcanzado los 64.000 kilómetros recorridos, lo que ocurra primero.

Los especialistas confiesan a partir de qué kilometraje no se recomienda comprarlo

Para quienes deban realizar el trámite, es importante tener en cuenta los valores vigentes tras la última actualización tarifaria. Con el reciente ajuste, el costo para los automóviles quedó muy cerca de la barrera de los $100.000. Estos son los precios correspondientes a junio:

• Autos: $96.968
• Motos: $36.459

Circular con la VTV vencida o directamente no contar con ella constituye una infracción de tránsito en la Ciudad de Buenos Aires. Actualmente, el valor de cada Unidad Fija (UF) es de $949, ya que se actualiza periódicamente en función del precio de referencia de la nafta.

En ese marco, la sanción por circular sin la VTV vigente equivale a 400 UF, lo que representa una multa de $379.600. Por otra parte, quienes hayan realizado la verificación técnica pero no lleven alguno de los comprobantes obligatorios (como la oblea adherida al parabrisas o el certificado correspondiente) también pueden ser sancionados. En este caso, la multa asciende a 100 UF, equivalentes a $94.900.

En lo que refiere a los últimos cambios en la VTV, el Gobierno nacional avanzó este año con una modificación del sistema a través de la Resolución 32/2026. La normativa habilita a talleres privados, concesionarios oficiales e importadores a realizar la inspección técnica vehicular, siempre que cumplan con los requisitos establecidos y se inscriban en la plataforma Trámites a Distancia (TAD), donde deberán presentar una declaración jurada que acredite el cumplimiento de las condiciones exigidas.

Sin embargo, la Ciudad de Buenos Aires todavía no implementó cambios en su esquema de verificación técnica; si bien comenzó el debate sobre una posible adecuación de la normativa local al nuevo régimen nacional, por el momento el sistema continúa funcionando bajo las reglas vigentes y a través de las plantas habilitadas actualmente.

Quiénes no pagan la VTV en CABA

La normativa vigente contempla algunos grupos exceptuados del pago de la verificación. Entre ellos se encuentran jubilados, pensionados y mayores de 65 años cuyos ingresos no superen el haber mínimo jubilatorio y que, además, sean titulares de un vehículo que no exceda el valor mínimo establecido para el impuesto de radicación en la Ciudad.

También pueden acceder al beneficio las personas con discapacidad titulares de vehículos adaptados. A su vez, la exención puede aplicarse en algunos casos aun cuando el vehículo no cuente con modificaciones específicas.

Sin embargo, aunque determinados conductores no deban abonar el trámite, la realización de la VTV sigue siendo obligatoria dentro de los plazos correspondientes. En caso de que una persona sea titular de más de un vehículo, el beneficio de exención únicamente puede aplicarse sobre una sola unidad.

• El Presidente salió a festejar la goleada de la Selección contra su primer rival en el Mundial 2026.
• También lo hizo Patricia Bullrich y en la previa varios gobernadores se mostraron listos para ver el partido.

• La iniciativa fue organizada entre la Municipalidad de Las Flores y la Provincia con el fin de entregar 110 casas a ciudadanos del distrito.
• El sorteo, que fue transmitido en vivo, tuvo un error vital y despertó el enojo de los vecinos.
• La explicación del intendente y la respuesta conjunta con el Gobierno bonaerense.

• A última hora ingresó la nota confirmando su presentación para dar el informe de gestión.
• La oposición pide su destitución y este miércoles hay reunión de labor en la Cámara alta.

• Fue luego de que le exigieran a la expresidenta que respete las pautas de su detención.
• Coincide con el primer año de su prisión domiciliaria.
• Los militantes piden su liberación y que sea candidata.

• Este miércoles a las 18 hay reunión de labor y aumenta la tensión entre el oficialismo y los dialoguistas.
• El peronismo quiere ir al recinto para desplazar al jefe de Gabinete.

• El Presidente irá el sábado a Santa Fe y se espera que lo acompañe el jefe de Gabinete.

• El ministro de Justicia y el juez que investiga a Adorni y ANDIS comparten la delegación argentina ante el grupo antilavado GAFI.

• El juez de ejecución de la pena advirtió por la instalación de una gran bandera anclada en su edificio y que cruza la calle.